Pleins feux sur les joueurs : Vasiliy Antipov

Il y a quelques années, nous avons reçu la visite d'un musicien et compositeur hors du commun : Vassili Antipov . Il jouait de la guitare sans ongles, et nous avons enregistré ensemble plusieurs de ses œuvres originales pour guitare, dont la remarquable Sonate-Fantaisie . Après cela, il est reparti, et pendant longtemps, nous n'avons plus eu de nouvelles de lui.

Au cours des dernières années, ce musicien a cependant énormément évolué, et nous aimerions aujourd'hui partager avec vous quelques-unes de ses réalisations.

Il convient tout d'abord de noter que Vasiliy a élargi les possibilités expressives de la guitare en composant plusieurs œuvres dans des tonalités très inhabituelles — des pièces qui, néanmoins, élèvent l'instrument à un tout autre niveau.

Un exemple frappant en est son Étude en la bémol mineur — une tonalité à sept bémols, écrite pour un accordage standard avec seulement la sixième corde réaccordée en mi bémol. Nous publions cette étude en deux interprétations : l’une par Vasiliy lui-même, accompagnée d’une notation déroulante et d’une tablature (sans tablature, déchiffrer la partition à sept bémols serait quasiment impossible — la notation brute à elle seule suffit à intimider même les guitaristes expérimentés) ; et une seconde par une étoile montante — le jeune et exceptionnellement prometteur guitariste Shi Long , interprétant l’Étude en la bémol mineur d’Antipov.

Mais ce n'est pas tout. Il s'avère que Vasiliy maîtrise non seulement la guitare, mais aussi l'un des instruments les plus complexes de la tradition classique : l' orgue . Une série d'enregistrements d'œuvres monumentales pour orgue témoigne de cette maîtrise, toutes interprétées avec une clarté et une transparence exceptionnelles.

• J.S. Bach : Prélude et Fugue en la mineur , BWV 543

• J.S. Bach : Toccata et Fugue en ré mineur , BWV 565

• J.S. Bach : Fantaisie et Fugue en sol mineur , BWV 542

• J.S. Bach : Sonate n° 2 en do mineur , BWV 526

• NOUVELLE VIDÉO ! J.S. Bach : Fantaisie en sol mineur , BWV 542

L'évolution de Vassili en tant que compositeur n'est pas moins remarquable.
Délaissant la guitare, il commença à écrire de la musique de chambre et produisit un certain nombre de pièces pour ensemble, dont l'élégante Bagatelle pour flûte et guitare, et le Trio très complexe, polyrythmique et polytonal, qui mérite une mention spéciale.

Tous les passages polytonaux du Trio sont exécutés avec une telle virtuosité que, si l'on ferme les yeux et que l'on se contente d'écouter – sans regarder la partition –, la musique peut sembler parfaitement consonante et traditionnelle, sans tension harmonique apparente. Mais si l'on suit la musique partition en main, on constate comment la texture harmonique s'épaissit progressivement. Vers la fin, les voix individuelles se mettent à passer d'une tonalité à l'autre ; à un moment donné, on peut entendre des lignes simultanées en si bémol mineur et en mi majeur, parmi d'autres combinaisons saisissantes. Heureusement, Vasiliy a réalisé une vidéo de l'œuvre accompagnée d'une partition annotée.

L'évolution stylistique est un autre thème majeur dans l'œuvre de Vasiliy. Son Quintette polyphonique à cinq voix est formellement une double fugue classique, mais son style évolue tout au long de la pièce. Il débute dans l'univers du baroque tardif, traverse les idiomes classique et romantique, et s'achève dans un style minimaliste évoquant les compositeurs d'avant-garde des années 1970 expérimentant la répétition. Vasiliy intègre habilement cette technique à la structure de la fugue, tirant parti du fait que l'écriture fuguée est intrinsèquement imitative – et l'imitation, bien sûr, implique la répétition.

Ainsi, dans ce Quintette , on peut observer les différences subtiles entre les imitations baroques, classiques, romantiques et minimalistes. Fait remarquable, aucune rupture stylistique ne se dessine : l’œuvre entière se déploie comme une chaîne vivante et continue de transformations progressives et organiques. Cette approche confère à la pièce une singularité remarquable.

L'essence de cette idée, dans sa forme la plus simple, est que si l'harmonie peut avoir certaines limites naturelles, la forme musicale, elle, peut s'étendre à l'infini. Les formes intégrées représentent l'étape suivante de ce développement, où des formes complètes interagissent, fusionnent et se transforment pour créer des structures entièrement nouvelles.

Ce concept est magnifiquement réalisé dans la dernière œuvre de Vasiliy — une grande symphonie en do dièse mineur .

Étonnamment, cette symphonie a été composée alors que Vassili était emprisonné en Biélorussie. Il a dû la noter sur des bouts de papier qu'il cachait ensuite sous son matelas pour éviter qu'ils ne soient confisqués lors des fouilles de routine.
Vassiliy a décrit plus tard son expérience de survie dans le système des camps de prisonniers dans un livre qu'il a publié après sa libération.

Vous trouverez ci-dessous un extrait du commentaire de Vasiliy. Les minutages sont disponibles dans la description de la vidéo sur YouTube.

« J’ai préparé le fichier de la symphonie dans lequel j’ai combiné la partition avec l’enregistrement MIDI. »
Tout d'abord, j'aimerais dire quelques mots sur la disposition des musiciens. Dans mon orchestre symphonique, la disposition n'est pas traditionnelle ; j'ai décidé de modifier légèrement le système classique « première flûte, deuxième flûte, premier hautbois, deuxième hautbois », etc.
Ma symphonie, quant à elle, met en scène des quatuors : première flûte, premier hautbois, première clarinette, premier basson – et un second quatuor correspondant avec deuxième flûte, second hautbois, seconde clarinette et second basson. Ceci est reflété dans la partition : les huit premières lignes indiquent ces deux quatuors.

Ils sont suivis par l'ensemble à cordes, un trio de trompettes (une en si bémol et deux en mi bémol), un quatuor de cors et un autre quatuor de cuivres : deux trombones ténor, un trombone basse et un tuba. Viennent ensuite les percussions, et enfin un quatuor de violons solistes à cordes, qui sont également appelés à intervenir ponctuellement en solistes.

J'ai préparé une brève description de ma symphonie avec des codes temporels ; en cliquant sur les passages bleus en surbrillance, on accède directement aux passages correspondants de l'enregistrement. Cette symphonie est très exigeante et nécessitera plus de répétitions que d'habitude.

L'essence de ces formes intégrées peut être décrite comme suit : si l'on prend une forme bien connue — par exemple, une fugue — et qu'on la décompose en ses composantes (sujet, contre-sujet, réponse, épisode), puis qu'on remplace chacune de ces composantes par une forme indépendante pleinement développée (par exemple, un canon à la place du sujet, un thème ou une fugue à la place du contre-sujet, etc.), une superstructure émerge, composée de formes plus petites.

Bien sûr, on peut formuler des concepts de complexité quelconque, mais la clé réside dans leur réalisation sonore convaincante. C'est là le plus grand défi.

Dans cette symphonie, le thème initial est un canon (non strict) aux bois. Ce motif est ensuite repris par les trompettes, tandis que simultanément les cordes entament une fugue complète en guise de contre-sujet. De cette combinaison naît une nouvelle forme : un sol. La fugue aux cordes évolue vers un stretto, tandis que le canon subit des collisions verticales.

(J'ai démontré ce principe dans une vidéo séparée, où j'ai publié une émulation MIDI de cette section avec une partition annotée sur ma chaîne YouTube — vous pouvez consulter la version annotée ici.)

La symphonie se compose de quatre mouvements :

• Allegro Moderato

• Adagio à 5/4

• Passacaille en 12/8

• Molto Moderato en 4/4

La symphonie se développe de manière continue ; le matériau de chaque mouvement se déploie davantage dans les suivants. Par exemple, les deux notes initiales — do dièse et ré dièse — du premier mouvement sont développées tout au long de l’œuvre.

• Première section

• Deuxième section

• Troisième section

• Quatrième section

Cette idée traverse toute l'œuvre et constitue également le fondement des deuxième, troisième et quatrième mouvements.

Un autre principe de développement, plus subtil, réside dans le jeu des formes. Dans le premier mouvement, un canon apparaît au début, qui se développe simultanément en fugue puis en thème général.

Dans le troisième mouvement, cette combinaison donne naissance à un hybride de canon, de fugue et de fond, rendu possible par le fait que chaque entrée thématique débute sur la même note. Cette caractéristique relie la fugue au canon et au fond. Plus tard, les cuivres entrent avec le thème de la passacaille, superposé directement à cet hybride, concrétisant ainsi l'idée de formes intégrées.

Ce thème hybride canon-fugue du troisième mouvement (en 12/8) est également intégré au finale (en 4/4). Il en résulte une sonorité d'une grande richesse : tandis que les cordes déploient des textures polyphoniques évoquant de vieilles mélodies françaises omniprésentes dans l'histoire de la musique, les autres voix reprennent le thème du mouvement en 12/8, ici déconstruit puis réorganisé en 4/4.

Il existe de nombreux exemples de ce genre. Je prévois de publier prochainement une analyse détaillée de l'intégralité de la symphonie. Ici, je n'ai abordé que quelques aspects afin de démontrer que la symphonie, dans son ensemble, constitue une structure fermée au développement continu.

Le premier mouvement est le plus complexe, tant par sa structure que par sa perception. Cependant, à mesure que l'œuvre progresse, la musique se fait de plus en plus claire, et le finale sonne presque comme une œuvre classique.

Je vous envoie donc le lien vers mon travail. Bien sûr, il s'agit encore d'une version MIDI, mais si l'on suit la partition et que l'on imagine le son réel, la pièce peut pleinement prendre vie dans l'esprit de l'auditeur.

Toutes les compositions de Vassili Antipov sont disponibles en téléchargement sur sa page Tempus Chordarum .
Nous croyons sincèrement que ses œuvres méritent d'être jouées et partagées avec le public.